La gravure sur bois japonaise est sans équivalent occidental : des paysages à couper le souffle côtoient une érotisme qui fait rougir, des fantômes et des démons tourmentent les vivants, et les lutteurs de sumo et les acteurs de kabuki sont des rock stars.
Jalons majeurs et personnages tout neufs pour l'Équipe des superhéros.
Stan Lee et Don Heck achèvent leur légendaire cycle Marvel des années 1960.
Entre 1965 et 1967, les Avengers de Stan Lee et Don Heck évoluent vite et vivent une ère «barjo», marquée par des aventures déjantées, souvent en plusieurs parties, où oeil de Faucon, Sorcière rouge, Vif-Argent et Captain America accueillent des nouveaux venus pour combattre leurs ennemis, l'Enchanteresse et le docteur Fatalis en tête.
Les Avengers de ces années-là connaissent des bouleversements majeurs, dans leurs rangs et au sein du noyau créatif. La Guêpe et Henry Pym (doté d'un nouveau costume et d'un nouveau nom de code) rejoignent l'Équipe des superhéros tandis que Black Widow et Hercule font des apparitions ponctuelles. Lee lâche l'écriture de la série pendant l'été 1966 et laisse les clés à Roy Thomas, qui vient d'arriver. Ses premières histoires montrent déjà les qualités qui feront sa gloire et inscriront l'équipe dans notre patrimoine commun, grand moment après grand moment.
Ce tome réunit les Avengers numéros 21 à 40 dans un format et des proportions très proches des planches de comics originales; extraits de la collection de Bob Bretall, inscrite au Livre Guinness des Records comme plus importante collection de comics au monde, les exemplaires ont été photographiés avec grand soin pour imiter au mieux leur aspect à leur première publication, mais aussi retouchées grâce aux techniques numériques modernes pour corriger les petits défauts dus à la médiocrité de l'impression d'époque. Un stock de papier spécial a été élaboré en exclusivité pour cette série, afin de répliquer la sensation des vieilles pages sous les doigts et les couleurs originales. The Marvel Comics Library a reçu des louanges méritées pour cette combinaison habile entre expérience de lecture à l'ancienne et format grand luxe, qui lui a valu le très convoité Eisner Award de la meilleure conception éditoriale.
En complément des comics, un essai de Christopher Priest, l'auteur de Black Panther dont le style percutant est animé par un amour profond et constant pour l'art du comics et son histoire, et une galerie d'oeuvres originales, de photos, de raretés et de documents divers de l'époque forment un ouvrage d'une richesse unique.
Il n'y a pas si longtemps, certains voyaient le bois comme un matériau venu tout droit du passé, remplacé depuis longtemps par d'autres plus modernes tels que le béton et l'acier. La vérité est tout autre. Soutenu par le développement des nouvelles technologies et de l'écologie, le bois a connu un essor fantastique dans la construction contemporaine.
Cet ouvrage en deux volumes se penche sur la créativité et l'inventivité d'architectes du monde entier appliquées à ce matériau élémentaire. À travers des constructions extravagantes, d'immenses bâtiments et des plans de rénovation urbaine ambitieux, il rend hommage à la diversité des usages qui en sont fait en Chine, au Chili et partout ailleurs. Il montre comment le bois peut transformer des espaces citadins, comme celui du Metropol Parasol à Séville par Jürgen Mayer H, et s'intégrer harmonieusement à des milieux naturels, comme dans le cas de l'Institut finlandais de recherches forestières de SARC Architects ou du complexe thermal Termas Geométricas de Germán del Sol.
Dans la lignée des livres d'architecture TASCHEN, cet ouvrage distingue des talents émergents du monde entier et des figures aussi renommées que Tadao Ando ou Renzo Piano, célébrant la vision et l'innovation de chacun tout en explorant les techniques, tendances et principes qui ont guidé leur travail autour du bois. Il aborde également la fabrication assistée par ordinateur qui a rendu possible la création de nouvelles formes, la culture responsable grâce à laquelle le bois peut répondre à nos préoccupations écologiques et surtout l'attrait durable qu'exerce, sur nos sens et notre psychisme, le bois, réminiscence de la beauté et de la simplicité d'Arcadie, à même d'apaiser nos vies modernes trépidantes.
Naissance d'une légende Les origines de l'adolescent qui brisa le moule du superhéros Quand Stan Lee proposa pour la première fois son idée de Spider-Man, en 1962, son patron lui opposa une cascade d'objections: les gens détestent les araignées, les adolescents ne tiennent pas les premiers rôles, tout juste les seconds, un héros doit avoir de la classe et du succès, pas être un binoclard asocial. Pourtant Stan persista et Martin Goodman finit par l'autoriser à tester son héros dans Amazing Fantasy, titre dont la suppression était déjà programmée. Avec Spiderman en couverture, le numéro 15 prend la tête des meilleures ventes de Marvel cette année-là - et le reste appartient à l'Histoire. Amazing Spider-Man, qui sort sept mois plus tard, brise le moule des comics. Peter Parker vit dans le quartier très peu classe du Queens, sans le sou, toujours inquiet pour sa veille tante May, malheureux en amour et martyrisé par son patron, le rédacteur en chef du Daily Bugle, J. Jonah Jameson. Spiderman a le sens de la répartie et la confiance dont Parker manque, mais l'apprentissage de ses pouvoirs ne se fait pas sans accrocs. Il semble souvent sur le point d'être vaincu par la cohorte de méchants qu'il affronte à ses débuts: le Vautour, Dr Octopus, l'Homme-sable, Lézard, Electro, Kraven le chasseur et le Bouffon vert. Le personnage de Spiderman doit en grande partie sa gloire à son correcteur et dessinateur Steve Ditko, si doué pour mettre en images les adolescents et leurs tourments. Son travail dote Spiderman d'une énergie décontractée et, malgré l'aversion que la bestiole susciterait chez la majorité des gens, Ditko donne l'impression que s'élancer entre les gratte-ciels new-yorkais est l'aventure la plus géniale possible. Proche du format original des oeuvres, ce rêve de collectionneur XXL réunit les 21 premières aventures du plus célèbre tisseur de toiles au monde, des classiques publiés entre 1962 et 1964. Plutôt que de recoloriser les originaux (comme c'est le cas depuis plusieurs dizaines d'années pour les reproductions de ces classiques), TASCHEN a voulu proposer à ses lecteurs une vision idéale de ces numéros tels qu'ils ont été produits lors de leur première publication. Les planches d'origine les mieux conservées ont été religieusement découvertes et photographiées en étroite collaboration avec Marvel et la Certified Guaranty Company. Chaque page a été photographiée telle qu'elle fut imprimée il y a plus d'un demi-siècle, puis remastérisée numériquement grâce à des méthodes de retouche modernes pour corriger les scories liées aux techniques d'impression imparfaites et peu coûteuses de l'époque - pour donner l'impression de sortir, encore tiède, des rotatives ultra-sophistiquées employées par Marvel dans les années 1960. Trois sortes de papier différentes, notamment un papier non couché sans bois, ont été élaborés en exclusivité pour cette collection, afin de simuler la texture des comics originaux. Grâce à l'essai historique détaillé rédigé par l'éditeur de Marvel Ralph Macchio, à l'introduction du roi des collectionneurs David Mandel, aux oeuvres originales, aux photos rares et aux autres joyaux qu'il contient, ce vertigineux ouvrage de 698 pages titillera votre sixième sens d'incroyable insecte, aussi puissamment enfoui soit-il. Ce volume de luxe arbore un tirage sur aluminium en couverture, enchâssé dans un dos relié en simili-cuir; gaufré à la feuille, il est glissé dans un étui. Édition Collector limitée à 1.000 exemplaires numérotés
On se souvient du portrait de l'écrivain naturaliste Émile Zola assis parmi ses japonaiseries signé Édouard Manet et des copies méticuleuses que Van Gogh réalisa des estampes d'Hiroshige, qu'il collectionnait avec dévotion. Au XIXe siècle les pionniers du modernisme européen ne font pas mystère de leur amour pour l'art japonais. Sensuelle, libre et vibrante, l'estampe aurait été, à elle seule, à l'origine de la vague japoniste qui submergea d'abord la France, puis toute l'Europe - souvent sous la forme d'objets d'art mal compris, réduits à leur caractère «exotique», qui nourrissent alors l'art occidental. Car l'estampe japonaise est un phénomène sans équivalent en Occident. Certaines des idées qui ont le plus vigoureusement secoué l'art moderne - dont celle, comme l'a dit Karl Marx, que «tout ce qui est solide se volatilise» - sont nées au Japon dans les premières heures du XVIIIe siècle et se sont exprimées avec une force inédite dans les oeuvres de maîtres comme Hokusai, Utamaro et Hiroshige au début du XIXe. Ce recueil, dérivé de la monographie format XXL originale, lève le voile sur une forme d'art très appréciée mais incomprise en présentant les estampes japonaises les plus exceptionnelles dans leur contexte historique. Depuis l'essor, au XVIIe siècle, du décadent ukiyo-e, «image du monde flottant», jusqu'au déclin et à la résurgence tardive de cet art au début du XXe siècle, les reproductions rassemblées dans cette édition composent un témoignage sans égal non seulement sur un genre unique dans l'histoire de l'art, mais aussi sur l'évolution des moeurs et de la culture au Japon. Montagnes mystiques ou cols enneigés, samouraïs en armures ou travailleuses du sexe mises en vitrine, chaque planche est abordée comme une oeuvre à part entière qui raconte les histoires et les gens qui se dessinent dans ces motifs. On découvre ainsi les quatre piliers de l'estampe - beautés, acteurs, paysages et compositions de fleurs et d'oiseaux - qui côtoient des représentations de lutteurs sumo, d'acteurs de kabuki et d'envoûtantes courtisanes, ces vedettes du «monde flottant» dont les fans inlassables favorisent la production frénétique d'estampes. On plonge aussi dans un univers plus sombre et inquiétant grâce à des estampes où des démons, spectres, mangeurs d'hommes et autres créatures imaginaires tourmentent les vivants dans des scènes saisissantes qui inspirent encore aujourd'hui le manga, le cinéma et les jeux vidéo japonais. On comprend ainsi comment ces oeuvres d'une diversité incroyable, scènes quotidiennes ou érotiques, tantôt martiales, tantôt mythologiques, ont en partage la maîtrise technique et l'oeil infaillible de leurs auteurs, ainsi que la prodigieuse ingéniosité et l'ironie avec lesquelles éditeurs et artistes se sont défendus contre la censure officielle. Fruit de trois années de travail, cette édition au format XXL rassemble des reproductions des plus belles estampes parvenues jusqu'à nous, conservées sous les voûtes des musées et dans des collections privées du monde entier - dont un grand nombre ont été photographiées à nouveau pour ce projet. Dix-sept pages dépliantes invitent à étudier les plus infimes détails, tandis que des descriptions fouillées nous guident dans cette période effervescente de l'histoire de l'art japonais. Cette édition, qui fait partie de notre collection spéciale 40e anniversaire, rassemble les plus belles reproductions parvenues jusqu'à nous, conservées dans divers musées et collections privées de par le monde, dans un format léger, à un prix abordable et enrichi de descriptions détaillées qui nous guident à travers cette période effervescente de l'histoire de l'art japonaise.
A voyage through mysterious and haunted lands, the sixth volume of The Library Esoterica delves into the art, rituals, and global mythologies of the spirit realms. Unearthing our complex beliefs around death, rebirth and resurrection, we explore the art, traditions and ancient stories of the afterlife. Through interviews with scholars and practicioners, insightful essays and over 400 works of visionary art, Spirit Worlds delves into the shadows of the supernatural, from dark domains of ghosts and demons to the light-filled lands of angels and celestial beings. Across more than 500 pages, we celebrate the ways in which we connect with both our ancestors and with ourselves, as we worship, mythologize and honor our dead. We study the rites of death around the globe, highlighting the ancient monuments and sacred temples we build out of our sorrow. We showcase the altars we create and the communities we nurture as we share our grief with our gods. We dive into the rituals that connect us to those we've lost. And we decipher the messages communicated to us from the other worlds by mediums and prophets, through the elaborate séances of the Spiritualists, and in the storied words of oracles and fortunetellers bent at their crystal balls. And finally, we showcase artworks that that channel not only the muse, but the unknown, eloquent voices and visions from the other side. In this expansive volume, we board the ferry across the storied river and enter the gloomy passages between lands, stepping across the threshold-to part the most sacred of veils.
Le plus gros défi, quand on dessine une maison, c'est de trouver l'équilibre entre esthétisme et exigences personnelles des occupants. S'il est important que la structure reflète la vision et le style de l'architecte, le client doit aussi s'y sentir chez lui. C'est pour cette raison qu'il est particulièrement intéressant d'examiner les maisons que les architectes conçoivent pour eux-mêmes. Si les habitations reflètent la personnalité de leurs occupants, alors les maisons d'architectes font en quelque sorte figure d'autobiographies. Emplacement, agencement, style, éclairage, oeuvres d'art, mobilier, chaque détail apporte sa touche à l'histoire. Chacune de ces demeures, présentées dans l'ordre alphabétique des architectes, en dit bien plus long sur celui qui l'a conçue que n'importe laquelle de ses autres réalisations.
Largement autodidacte en tant qu'artiste, Francis Bacon (1909-1992) développa une capacité unique à transformer l'intériorité et les élans inconscients en formes figuratives dans des compositions intenses et confinées. Parvenu à une notoriété certaine après la Seconde Guerre mondiale, Bacon prit le corps humain comme sujet de prédilection, mais un sujet ravagé, déformé et démembré, traversé par des émotions intenses sous lesquelles il se tord et gémit de douleur. Ces membres qui fouettent l'air désespérément, ces vides béants et ces excroissances tumorales forment des portraits poignants, souvent grotesques qui sont autant des réflexions sur les épreuves et les traumatismes de la condition humaine que des études de caractère. Ces formes envoûtantes et terrifiantes furent aussi parmi les premières de l'histoire de l'art à représenter des thèmes ouvertement homosexuels. Ce livre est une introduction à l'oeuvre érotique, déstabilisant et inoubliable de Bacon, un corpus transformateur souvent imité, beaucoup analysé, mais surtout ressenti.
Les tableaux de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) au charme intemporel n'évoquent qu'amour, bonheur et beauté. Issu de notre édition grand format, qui formait la rétrospective la plus complète jamais consacrée à l'oeuvre du peintre, cet ouvrage analyse de près l'histoire et la passion cachées derrière la légende. Bien qu'il ait commencé sa carrière par des paysages de style impressionniste, Renoir n'a vraiment développé son propre style qu'après avoir commencé à peindre des portraits qui l'ont conduit à se détacher complètement de l'impressionnisme. On l'a souvent mal compris ou critiqué, et pourtant Renoir demeure l'un des peintres les plus aimés de l'Histoire grâce à la chaleur et à la joie de vivre qui émanent de ses tableaux. Dans son texte éclairant qui revient sur l'intégralité de la carrière de l'artiste en retraçant son évolution artistique, Gilles Néret montre comment Renoir a réinventé la femme en peinture, à travers ses déesses de la vie quotidienne bien rondes, à la poitrine et aux hanches généreuses. Cette dernière phase de l'oeuvre de Renoir, au cours de laquelle il en est revenu au plaisir simple de peindre des nus féminins dans sa série consacrée aux baigneuses, est sans doute de loin la plus novatrice, celle qui a le plus inspiré d'autres artistes comme Matisse et Picasso. Avec sa chronologie et sa bibliographie, ses superbes reproductions couleur, ainsi que des photos et des croquis illustrant la vie et l'oeuvre de Renoir, ce livre est l'un des ouvrages de référence incontournables sur ce grand maître de la peinture.
Cet hommage photographique à Arnold Schwarzenegger, fruit de dix années de collaboration, retrace son parcours de la misère au titre de Mr. Olympia, puis aux plateaux de cinéma et à la résidence du gouverneur de Californie. L'ouvrage, en deux volumes, contient des portraits par de grands photographes - parmi lesquels Richard Avedon, Annie Leibovitz, Robert Mapplethorpe, Herb Ritts, Francesco Scavullo et Andy Warhol - des images de culturisme vintage, des photogrammes de films, des dizaines de clichés personnels et des interviews exclusives. Un hommage baraqué au Monsieur Muscles le plus aimé au monde! Édition Collector (numéros 951 à 1947); chaque exemplaire est numéroté et signé par Arnold Schwarzenegger. Également disponible en édition d'Art (numéros 1 à 100), numérotée et signée par Arnold Schwarzenegger, avec un tirage sur panneau aluminium ChromaLuxe numéroté et signé par Annie Leibovitz, et un lutrin Capitello conçu par Studio 65.
Réalisé en étroite collaboration avec George Lucas, ce deuxième volume dévoile la fabrication de la prélogie : Menaceôme,Attaque des clones,Revanche des Sith.
Publiée pour la première fois en 1534, cette Bible fut un tournant dans l'histoire de l'imprimerie, en popularisant le christianisme et en fournissant le texte fondateur d'une nouvelle branche de la foi: le protestantisme. Cette réédition révèle toute la beauté et les multiples facettes de ce chef-d'Å'uvre, en présentant son manuscrit réalisé par l'atelier de Lucas Cranach.
La gravure sur bois japonaise est sans équivalent occidental : des paysages à couper le souffle côtoient une érotisme qui fait rougir, des fantômes et des démons tourmentent les vivants, et les lutteurs de sumo et les acteurs de kabuki sont des rock stars.
Des études anatomiques aux plans architecturaux, des conceptions techniques complexes aux portraits d'enfants potelés : découvrez la finesse délicate de l'un des esprits et des mains les plus talentueux de l'histoire.
Mythe moderne.
L'exploration ultime de la trilogie originale de Star Wars.
En 1977, Star Wars apparaît avec fracas sur nos écrans de cinéma et depuis, le monde n'est plus le même. Après les films déprimants et cyniques qui ont émaillé le début des années 1970, le public accueille avec enthousiasme l'énergie positive de l'univers Star Wars, suit avec ferveur le parcours initiatique du garçon de ferme Luke Skywalker, de planète en galaxie, et adopte les personnages extraordinaires qu'il rencontre en cours de route, comme le mystérieux ermite Obi-Wan Kenobi, les corsaires de l'espace Han Solo et Chewbacca, les fidèles droïdes C-6PO et R2-D2, la courageuse Princesse Leia et le terrifiant Dark Vador, le sombre empereur suppôt de la force obscure.
L'auteur, réalisateur et producteur George Lucas a créé le monomythe moderne de notre temps, qui trouve une résonance chez l'enfant que nous sommes tous restés. Il y est parvenu en montant Industrial Light & Magic, société au sein de laquelle il a développé des technologies de pointe en matière d'effets spéciaux qu'il a combinées avec des techniques de montage novatrices et une bande son puissante pour offrir au public une expérience cinématographique et sensorielle unique.
Dans ce premier volume conçu avec la participation totale de Lucasfilm, c'est George Lucas lui-même qui nous raconte l'histoire et nous plonge dans le processus de fabrication de la trilogie originelle: l'Épisode IV-Un nouvel espoir, l'Épisode V-L'Empire contre-attaque et l'Épisode VI-Le Retour du Jedi - à travers de multiples détails passionnants qui dévoilent la création de son univers unique. Cet ouvrage renferme une profusion de pages de scénario, de documents de production, d'esquisses, d'extraits de storyboards, de photos de plateau, de photogrammes et d'affiches, nous entraînant dans une véritable exploration de la saga originale racontée par son créateur.
Plongez dans cette précieuse collection de photos célèbres ou inédites d'une des icônes les plus aimées du rock et de son légendaire E Street Band. Les clichés intimes pris par Lynn Goldsmith à la fin des années 1970 montrent un Bruce avide de succès, en studio avec son «groupe de frères», en répétition, en tournée, inépuisables. Springsteen le dit lui-même: «Je jouais vraiment ma vie, soir après soir, sans jamais me poser de questions.» Édition collector numérotée (de 201 à 1.978) et signée par Lynn Goldsmith
